🌿포스트모던 영화의 미장센 요소, 사례들

"장엄한 효과의 연출은 시인의 기술보다는 무대 기술자의 기술에 더 많이 좌우된다."

- 아리스토텔레스, 시학.
 

핵심 기술자는 감독입니다. 영화에서 감독은 대본을 영상으로 옮기는 일을 담당합니다. 이것이 바로 연출의 도전이며, 감독을 좋은 감독 또는 위대한 감독으로 구분하는 기준이 됩니다. 영화는 시청각 예술 형식입니다. 감독은 이 매체를 통해 이야기를 전달합니다. 다른 매체와 달리 영화는 이해하기 쉽기 때문에 설명하기 어렵습니다. 동시에 영화의 기호학은 이해하기 어렵기 때문에 설명되기 쉽습니다.

영화의 구조는 영화가 작동하는 코드에 의해 정의됩니다. 다양한 코드가 결합하여 영화가 의미를 표현하는 매체를 형성합니다. 촬영하는 동안 영화 제작자는 세 가지 기본적인 질문에 직면하게 됩니다: 무엇을 촬영할 것인가? 어떻게 촬영할 것인가? 그리고 촬영한 장면을 어떻게 표현할 것인가? 처음 두 가지 질문의 영역은 미장센이며, 마지막은 몽타주의 영역입니다. 이 용어는 프랑스어에서 유래한 것으로, '장면에 넣다'라는 뜻으로 한 장면에 나타나는 시각적 측면을 지칭하는 데 사용됩니다. 미장센의 개념은 영화의 의미를 구성하는 데 있어 저작자 문제에 관심을 가졌던 이론가들에 의해 개발되었습니다.

 

미장센 이론에 대한 많은 글이 쓰여졌기 때문에 연출의 기술과 예술에 대한 말들이 쏟아지고 있습니다. 따라서 같은 이론을 반복하는 것은 의미가 없습니다. 미장센의 요소가 세기에 걸쳐 어떻게 진화하고 새로운 포스트모던 시대에 어떻게 재정의되는지 살펴봅시다. 영화의 역사를 되돌아보면 1960년대의 작가 이론은 작가/감독의 강력한 독창적인 스타일과 인물을 바탕으로 영화를 구성하는 방식이었습니다.

작가(Auteur)는 영화의 미장센에서 감독의 뚜렷한 스타일이 드러나는 방식 또는 최종 영화 자체에서 감독의 서명이 드러나는 것을 말합니다. 미국의 오슨 웰스와 히치콕, 프랑스의 고다르와 장 르누아르, 독일의 라이너 베르너 파스빈더와 빔 벤더스 등이 작가주의의 잘 알려진 예입니다.

 

 

포스트모더니즘 영화는 작가-감독의 스타일을 분리하여 평평하고 탈역사화된 공간에서 순환하는 여러 스타일과 목소리를 위한 장을 여는 것으로부터 출발합니다. 예를 들어 펄프 픽션(1994)은 다양한 영화에서 스타일과 시퀀스를 차용했습니다. 이 댄스 경연은 고다르의 <국외자들>(1964)의 영향을 받은 것이 분명합니다.

현재 영화 산업의 초상은 셀룰로이드에서 디지털 영화 제작으로의 전환을 포함하여 포스트모던에 대한 논의에 몇 가지 진입점을 제공합니다. 이 새로운 구성은 영화가 원본과 복제본의 구분이 사라진 순수한 시뮬라크라가 된 과정을 보여주는 예가 될 것입니다. 영화의 디지털 시대는 영화가 하이퍼리얼리티로 진입했음을 의미합니다. 이 디지털 혁명은 기술 또는 가상 현실이 인간의 현실을 대체하고 사실과 가상의 구분이 무의미해지는 현실의 대체 또는 대체를 의미합니다.

산업과 매체로서의 영화의 포스트모던적 특징 외에도 개별 영화 자체는 어떻게 포스트모던적일 수 있을까요? 포스트모던 영화의 가장 일반적인 특징은 🪢상호성, 🧲자기 참조성, 👻패러디 & 패스티쉬, 📽️과거의 다양한 형식, 🍿장르, 🗃️스타일에 대한 의존성입니다. 이러한 특징은 영화의 형식, 스토리, 기술 어휘, 캐스팅, 미장센 또는 이들의 조합에서 찾을 수 있습니다.

이제 포스트모더니즘을 대표하는 몇몇 감독들의 영화에서 미장센 코드가 어떻게 적용되었는지 살펴보겠습니다.

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리들리 스콧

리들리 스콧의 <블레이드 러너>는 포스트모던에 대한 현대적 이론을 탐구하는 영화입니다. 블레이드 러너는 미장센 기법을 통해 우리의 역사 인식을 전복합니다. 블레이드 러너에서 필름 누아르의 전형적인 팜므파탈 복장을 한 레이첼은 '보이트-캄프'의 결과에 대해 심문할 의도로 데커드의 아파트로 찾아갑니다. 이 장면은 데커드의 아파트라는 새로운 공간으로 자연스럽게 이동하는 전통적인 설정 샷을 통해 중요한 장면의 프레이밍을 고전적인 할리우드 연속 편집 시스템을 준수합니다. 설정 샷을 사용하면 시청자가 외계인 같은 미장센을 처리 할 시간을줍니다.

이 미장센은 흔한 가정적인 것과 기괴하고 알아볼 수 없는 것을 결합하여 익숙한 것에 대한 섬뜩한 감각을 불어넣어 단절된 유산에 대한 의문을 제기합니다. 부엌 싱크대와 찬장 등 가정적인 측면은 우리에게 친숙하지만, 미학적, 기술적 발전이 현대 생활과 연관되어 있다는 것을 알 수 없습니다. 미장센은 레이첼의 진정성에 대한 모든 의문의 이면에는 우리 사회와 보여지는 사회와의 합리적 연결이 부족하다는 것을 드러내는 중요한 요소입니다. 등장인물을 둘러싼 구조는 패션과 과학의 논리적 진보와 단절되어 있습니다.

 

코엔 형제

코엔 형제의 영화적 비전에는 미장센의 사용이 포함되는데, 이는 본질적으로 '무대 위에 배치하기' 또는 시각적 테마가 이야기를 더 잘 전달하는 데 도움이 되는 방법을 의미합니다. 미장센은 일반적으로 코엔 형제의 영화를 지배하지만, '파고', '노인을 위한 나라는 없다', '허드서커 프록시'와 같은 영화는 좀 더 뚜렷한 영화적 스타일을 보여주는 예입니다. 예를 들어 '파고'에서는 경찰이 범인의 차를 세울 때 경찰의 정체가 완전히 드러나지 않는데, 이는 당면한 상황과 무관한 것입니다. '노인을 위한 나라는 없다'와 '허드서커 프록시'에서 코엔 형제는 영화의 몇 분 안에 시대와 배경을 환상적으로 담아냈습니다. '허드서커 프록시'의 오프닝 장면에서 내레이터가 바로 나와서 1959년과 장소를 말하는데, 모자와 함께 시대상을 담아내기 위해 오래된 보안관 유니폼을 보여주기도 하죠.

코엔 형제의 작품은 주제적 모티프의 사용과 미장센의 교차점이며, 이것이 영화에서 가장 분명하게 드러나는 예를 보여줍니다. 영화에서 그들은 줄거리가 특정 방식으로 제시되도록 영화를 형성하기 위해 여러 가지 기법을 사용합니다. 가장 중요하고 가장 특별한 기법 중 하나는 '위장 편집'이라고 설명할 수 있습니다. 이 기법은 장면과 장면 사이의 컷을 가능한 한 눈에 띄지 않게 편집하여 시청자에게 영화가 보다 유동적으로 보이도록 하는 것입니다.

 

미하엘 하네케

하네케는 다른 할리우드 감독들과 차별화하고자 하는 열망으로 다른 감독들과 차별화되는 감독입니다. 그는 외국 영화 감독입니다. 그는 일반적인 연출 기법에서 벗어나 자신만의 독특한 스타일을 영화에 담아냅니다. 하네케는 자신이 원하는 영화 연출 방식에 대해 어두운 시각을 가지고 있습니다. 그는 폭력적이고 어두운 영화로 잘 알려져 있습니다. 하네케는 아카데미 최우수 외국어 영화상 수상작인 <아무르>, <피아노 선생님>, <퍼니 게임> 등 잘 알려진 외국 영화를 다수 제작했습니다. 그의 영화에는 롱숏과 최소한의 컷을 사용하는 것이 특징입니다. 그는 또한 그가 제작하는 대칭 프레임으로도 유명합니다.

미하엘 하네케는 관객이 자신의 영화를 어떻게 보길 원하는지 영화 속에서 보여주는 감독입니다. 하네케는 관객이 자신의 영화를 매우 사실적으로 보기를 원하기 때문에 무대 사실주의와 같은 기법을 사용합니다. 하네케는 대부분의 사람들이 불편해하는 방식으로 각 영화를 만듭니다. 그는 어둡고 폭력적인 장면으로 가득 찬 영화를 제작합니다. 그의 영화 <피아노 선생님>에서는 인간의 멜로드라마를 강조하기 위해 디자인과 미장센이 만들어졌음이 분명합니다. 하네케의 엄격하게 분리된 이미지의 인상적인 예는 <제7대륙>의 아침 식사 장면으로, 가족이 이야기하고 식사하는 동안 카메라는 시리얼이 담긴 그릇에 내내 고정된 채로 있습니다. 이 강박적인 프레이밍은 객관성을 자의적으로 적용하기 위한 것이 아닙니다. 오히려 소비주의적 중산층 생활의 대상인 '적'의 관점을 재현한 것입니다. 따라서 배우와 끊임없이 유지되는 수수께끼 같은 거리감과 파편화된 영화 형식, 즉 하네케가 영화에 담아내는 '대상 의식'은 등장인물의 행동 이면의 동기를 이해하거나 그들의 감정에 공감할 수 없습니다. 인간과의 접촉은 얼굴과 같은 인간 상호 작용이 아니라 손이 표면에 닿는 사물과의 접촉으로 경험됩니다. 가족을 괴롭히는 불통은 기계의 기계적인 논리에 순응을 강요하고 사람들을 어머니, 아버지, 남편, 아내, 딸과 같은 사회적 기능으로 환원하여 감정을 억누르고 각 상황에서 요구되는 예상 행동 패턴을 방해할 수 있는 시도의 결과인 것 같습니다.

 

데이비드 린치

데이비드 린치의 영화는 영화 역사에 있어서 맹목적인 영화와는 거리가 멉니다. 그의 가장 성공적인 영화 중 몇 편은 필름 누아르의 정전에 추가된 것으로 특징지을 수 있습니다. 포스트모던적 풍자나 패러디로 느와르 장르를 참조하는 다른 많은 네오 느와르와는 달리, 린치의 느와르는 솔직하고 진지합니다. 특히 고전 느와르의 특징 중 하나인 꿈의 시퀀스는 린치에게 특히 적합합니다. 린치의 필름 느와르 재해석은 블루 벨벳(1986), 로스트 하이웨이(1997), 멀홀랜드 드라이브(2001)에서 가장 잘 볼 수 있습니다. 이 영화들은 주제와 스타일에서 느와르 감성을 보여주며, 팜므파탈이 등장한다는 점에서 가장 뚜렷하게 느와르적이라고 할 수 있습니다.

세 영화는 또한 현실의 미끄러짐과 영화적 표현의 비스듬함에 대한 공통된 집착으로 삼위일체를 이룹니다. 블루 벨벳은 대부분 극단적인 폭력성과 성적인 내용으로 유명하지만, 이 영화에서 가장 흥미로운 장면은 폭력이나 섹스가 없는 장면입니다. 이 세 장면은 린치 감독이 줌을 사용한 영화에서 가장 눈에 띄는 장면입니다. 린치 감독은 블루 벨벳에서 특정 미장센을 확대 및 축소하여 어둡고 역겨운 인간 삶의 본질을 보여줍니다. 린치는 완벽한 미국 교외의 모습을 보여주는 첫 장면에서 줌 인을 통해 아름다움과 혐오감을 병치시킨 다음, 그 밑에 숨겨진 반역적인 진실을 보여주기 위해 줌 아웃을 사용합니다. 또한 귀의 이미지를 확대 및 축소하여 인간의 겉모습 아래에 무엇이 있는지 보여줍니다. 영화에서 줌은 표면 아래에 무엇이 있는지 보여줄 뿐만 아니라 제프리의 동기에 어떤 의미가 있는지 보여주기 위해 사용됩니다.

 

쿠엔틴 타란티노

쿠엔틴 타란티노는 미장센과 장면을 설정하여 가장 극적이고 감정적인 느낌을 주는 데 있어 최고의 감독 중 한 명입니다. "트루 로맨스"의 이 고전적인 장면에서 타란티노가 주조명, 보조 명암, 캐릭터 배치 및 프록시믹스, 무대, 특히 조명을 신중하게 선택하는 방법을 볼 수 있는데, 이 장면에서 조명은 미장센의 가장 중요한 요소입니다. 타란티노는 조명을 사용하여 관객이 등장인물이 어떤 사람인지 듣지 않고 느낄 수 있도록 돕습니다. 이 장면에는 다른 네 명의 남성이 등장하지만 데니스 호퍼(전경)와 크리스토퍼 워켄(배경)에게만 빛이 내려옵니다. 이 빛은 데니스 호퍼에게 빛을 주는 것처럼 보이지만 크리스토퍼 워켄의 얼굴을 어둡게 만들어 관객에게 그가 적대자라는 느낌을 주며, 이 장면에서 우리의 적대자가 지배적이라는 것을 분명하게 보여줍니다. 우리의 시선은 즉시 커피 잔을 들고 있는 워켄에게 끌립니다. 그런 다음 우리의 시선은 주인공과 보조 대조되는 데니스 호퍼에게로 끌립니다. 우리의 시선이 두 인물에게 이렇게 이동하는 이유는 주로 조명 키 때문이지만, 무대 연출과 캐릭터 배치, 프록시메틱의 영향도 큽니다. 타란티노는 이 장면을 어둡고 으스스하면서도 미학적으로 매력적으로 만들었습니다. 그의 장면 설정과 그에 어울리는 대사는 이 장면을 영화 역사상 최고의 장면 중 하나로 만들었습니다.

 

웨스 앤더슨

오늘날 활동하는 영화 제작자 중 시네필과 일반 영화 관객 모두가 알아볼 수 있을 정도로 자신의 영화에 DNA가 강하게 남아있는 감독은 거의 없습니다. 이러한 영화감독 중 한 명이 바로 웨스 앤더슨입니다. 대부분의 사람들은 웨스 앤더슨 영화를 보면 독특한 색상 팔레트, 시그니처 카메라 움직임, 수많은 오버헤드 샷을 떠올리지만 그의 시각적 주제에 대해서는 훨씬 더 많은 이야기가 있습니다.

하지만 그는 연극에서 일한 적은 없지만, 그의 영화에서 유명한 롱테이크처럼 많은 영감을 연극에서 얻습니다. 하지만 앤더슨은 업계에서 가장 인정받는 스타일로 자신만의 영화감독이 되었습니다. 영상에서 볼 수 있듯이 그는 모든 차단 결정, 세트 디자인, 카메라의 움직임을 사전에 신중하게 계획하는 등 디테일에 끊임없이 주의를 기울입니다(물론 촬영 전에 완전히 상상하고 계산할 수는 없다고 앤더슨은 설명합니다).

웨스 앤더슨은 현재 활동하는 미국 영화감독 중 가장 눈에 띄는 비주얼 스타일을 가지고 있습니다. 그는 자신의 영화에 다른 영화와 혼동하기 어려운 독특한 룩을 신중하게 발전시켜 왔습니다.

그는 대본이나 배우의 연기와 같은 수준으로 캐릭터 의상의 원단을 배치하는 미장센 감독입니다.

대부분의 영화 제작자는 웨스 앤더슨만큼 디테일과 세세한 부분에 관심이 많지 않습니다. 이러한 특성은 서체, 특히 퓨투라 서체에 대한 그의 노예 같은 헌신에서 가장 분명하게 드러납니다. 그는 최근 몇 편의 작품에서 다른 기발한 그래픽으로 영역을 확장했지만, 여전히 퓨투라 서체에 대한 충실한 제자로 남아 있습니다. 그의 모든 초기 영화의 오프닝 크레딧과 클로징 크레딧에서 볼 수 있으며, 현재 여러분이 누구의 세계로 들어가고 있는지 알려주는 공식 도장 역할을 합니다. 일종의 승인 도장(브랜드) 같은 것이죠.

 

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마지막으로 우리는 더 이상 프레임에 저작자가 존재할 수 없으며 프레임 안에서만 존재할 수 있다는 결론을 내릴 수 있습니다. 물리적 매체에 관한 한, 저자는 이제 죽었고, 이것이 반드시 나쁜 것은 아닙니다. 영화는 심지어 더 새롭고 덜 이기적인 영화를 기대하는 것처럼 보입니다. 이제 필름의 독재는 끝났고, 디지털 비디오의 민주주의를 축하할 영화 제작자가 등장할 때입니다.

 

Royal Society of Television & Motion Picture | MISE EN SCENE